Exposiciones

Exposición individual: Trayectos de César Vázquéz 





< < No cabe la menor duda  > >, murmuró un cometa al pasar;
< < Es un aventurado cósmico > > , y su cauda fue dejando una estela
de vocablos luminosos que decían:
< < ¿de dónde vienes, qué es lo que buscas?  > >  < < ¿a dónde vas?  > >

Juan Martínez 
Por el hilo dorado de lo eterno. 

Trayectos. 
Dejar el lápiz para dibujar rompiendo el papel, regresar al lápiz cuando el trayecto de la hoja rasgada defina las líneas del personaje. 

El trayecto no solo es rastro sino acción, la suma de los tiempos en un instante. 

El espacio que se recorre para ir del blanco al blanco inevitablemente llegará al negro. 

Para observar el descenso no es necesario bajar la mirada. 

¿Pero para qué quedarse con la pura observación si también puedes envolverte, dejarte caer (y caer y caer) para luego salir volando? 

¿Cuál es el punto de partida? ¿Cuál es el punto de llegada? La búsqueda, combustible del trayecto. 

El límite, invitación a cruzar brincando. 

Para iluminar la travesía perforar el negro. 

Embracing the black siendo parte de la trayectoria. 

Frente a nosotros estrellas como capas desgarradas.

Diálogo entre Tabea Huth y Claudia Ramírez a propósito de la muestra gráfica Trayectos de César Vázquez.




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Exposición individual: Curiosas exaltaciones de Oslyn Whizar.




Sobre el trabajo de Oslyn Whizar

Le preguntaron a Miles Davis si amaba su instrumento (la trompeta) y él contestó:
¡Qué instrumento, si es mi voz!

Para un artista, cualquier material que encuentre puede llegar a ser un descubrimiento que se convierte en un obstáculo, un misterio y una aventura. Un obstáculo porque cada material exige un tratamiento distinto, un acercamiento particular que el artista al principio desconoce. A veces, el desconcierto ante un material nuevo puede hacer que el artista lo abandone, no se sienta cómodo con él; otras veces puede pasar lo contrario: que el artista sienta gran afinidad con el mismo por sus cualidades. Que sienta que puede expresarse a través de él con naturalidad, que ha encontrado un medio para decir. Si es este caso y estamos frente a un artista, ese material se convertirá en un misterio que habrá que explotar, que será una fuente de inspiración, análisis, reflexión y, sobre todo placer. Cuando el artista logra que los materiales con los que trabaja se conviertan en todo lo anterior, la construcción de sus obras deviene una aventura, una tierra desconocida hacia la cual se dirigirá sin certezas. Sin embargo, aquí hay que detenernos, he puesto una condición en todo lo anterior, he dicho para un artista, y en esto radica el meollo del asunto. En esta exposición encontramos las obras de una artista, Oslyn Whizar que ha encontrado una voz particular a partir de la utilización de ciertos materiales. No quiero decir que antes, con otras obras, utilizando otros materiales, no la tenía, sino que en éstas clara y contundentemente se escucha su voz. Con la tela, el tejido, el bordado, el hilo, los fragmentos de papel y de ilustraciones de revistas, crea objetos armónicos que invitan al observador a una serena contemplación. Ezra Pound decía que había dos tipos de arte: el arte de diagnóstico y el arte de la curación- El primero persigue el culto de la fealdad y el segundo el culto de la belleza. Oslyn, como artista, ha optado por la segunda opción. En sus obras no hay impostura, exacerbación, proclamas ni angustias, sino formas y elementos ordenados de cierta manera orgánica y serena que remiten a algunas características del Arte Zen, según Hugo Padeletti, vía Chikamatsu y T.S. Suzuki. En sus obras encontramos Simplicidad, Sencillez, Sugerencia, Asimetría, Silencio, Vacío, todas estas cualidades que tienden a crear una estética de lo mínimo, del menos es más. Sin embargo y paradójicamente las obras de Oslyn registran una gran sensualidad que se logra a partir de la explotación de las cualidades de los materiales con los que trabaja. Los colores y recortes de tela que utiliza, el satín y el terciopelo sobre todo, son telas que vibran, que tienen una textura y brillo que invitan a tocarse, a palparse. Oslyn recorta letras, palabras y formas casi siempre circulares, chuecas, sensibles, que pueblan el espacio y que se pueden yuxtaponer o no a ciertas imágenes recortadas de revistas. Estas imágenes remiten a un cierto tipo de arte pop, pero Oslyn no se ha apropiado de esta estética sino que la ha asimilado, o mejor, ha hecho lo que los artistas brasileños han practicado desde el primer cuarto del Siglo XX: la Antropofagia, que consiste en asimilar cualquier estética extranjera y volverla propia. Así Oslyn ha hecho su propio proceso de Antropofagia con su obra. Tomó el arte pop, pero no lo copió sino que lo volvió propio. Lograr esto, no es cosa fácil.
Es importante señalar que en sus obras se reconoce, de manera implícita, una iconografía (referente a las décadas de los 60´s, 70´s y 80´s.) que se encuentra en Tijuana: la arquitectura, los anuncios comerciales, los rótulos que pueblan el Centro de la ciudad donde ella reside, son un acicate visual que la ha alimentado desde niña y que ha entrado de manera natural en su obra. La artista tijuanense construye sus collages utilizando sobre todo dos procedimientos, por un lado pega los recortes de telas, bordados y papel sobre papel o sobre tela, y por otro los cose a máquina. Lo que logra con esto último, es que el hilo se convierta en un elemento gráfico, en línea, pero en una línea sombreada que dibuja, que marca su recorrido en el espacio logrando que aun los sobrantes de hilos, sean dibujo en la obra. Así, tanto las telas, los papeles, los bordados, como el hilo, le dan un carácter de tridimensionalidad a sus collages. En muchas obras también, la pintura entra como manchas de color que conversan con las telas, los bordados y las figuras.
-Luis M. Verdejo.


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Exposición individual: Diagram de Hilda Vanessa Ramos.



 

Para Mitchell la interacción entre el cuerpo, la visualidad, el discurso, la figuralidad y ante todo la acción de –la mirada-, son conceptos que nos permiten acceder a dos ideas pragmáticas: la “práctica de observación” y el “placer visual”, dicotomías que concibe el espectador al accionar contacto visual; ambos tópicos crean lecturas que nos ayudan a descifrar, descodificar e interpretar.

A partir de la descodificación descubrimos, identificamos cómo se constituye un objeto.

Interpretar nos ayuda también a entender un concepto que durante el paso del tiempo y en la época de la modernidad, -a mediados del siglo pasado- adquirió fuerza: La Identidad, y  partiendo de estudios y distintas etimologías tales como lo social, el cuerpo, el género, por mencionar algunos, logramos comprender cómo se construye la arquitectura de La Identidad. 

En la serie Diagram, que nos propone Hilda Vanessa Ramos, encontramos un cuestionamiento recurrente: ¿Quién soy?, pregunta que emerge al momento de buscar un paralelismo entre el cuerpo y la historia.

Al accionar -la mirada- sobre el trabajo de Ramos descubrimos modelos rizomáticos, tanto en técnica como en idea, su habilidad en el hilado mecánico nos permite ir descubriendo lánguidamente el cuerpo humano.
La anatomía es para Vanessa Ramos el centro de estudio para descubrir respuesta a interrogantes tales como ¿cuáles son nuestras raíces hereditarias?, ¿cómo estamos construidos anatómicamente?, ¿qué compartimos como seres humanos?, incógnitas que nos afrontan al intentar descubrir nuestra identidad.

Sus composiciones a base de telas texturizadas, hilos de colores y trazos en tinta, construyen músculos, huesos, brazos, corazones, que nos introducen placenteramente en geografías corporales, sus dibujos parecen contener vida por la tridimensionalidad propuesta, cada una de sus piezas son diagramas, representaciones gráficas capaces de relevarnos detalles íntimos.

Hilda Vanessa Ramos yuxtapone lo interno y lo externo borrando la piel deliberadamente, dejando al descubierto de manera transparente “pedazos de su cuerpo”, aunque ejecutando la “práctica de la observación” que nos propone Mitchell, logramos descubrir e identificar también nuestro cuerpo con placer.  
Mónica Arreola, 6 de diciembre del 2014, Tijuana B.C.





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Exposición individual: All kind of mexican art crafts de Juan Villavicencio.

 


Los elementos de All kind of mexican art crafts lanzan preguntas sobre la construcción de lo artístico. Bajo el cobijo del agrado del artista, en estos juegos se dispone de símbolos de la historia del arte y el arte popular sin un criterio de selección explícito. Con el mismo desenfado, el artista se desvincula de las apreciaciones y profundiza en reflexiones sobre el entendimiento que requerimos a la hora de acercarnos al arte. 

Aludiendo a la tradición turística, Villavicencio devela los mecanismos de autoría que han compartido con simpatía el arte popular y el estilo, principio característico de los artistas en la modernidad. 

A pesar de las referencias a objetos producidos en masa, el artista imprime trabajo a mano, considerando las convenciones de autenticidad y escala que guarda el craft. En ese sentido y recuperando el giro original de este espacio, replica la heterogeneidad de la tienda de curious, saturada de alusiones y en conjuntos configurados sin recato y congruencia. 

All kind of mexican art crafts es en sí una crítica de la cultura. Con suficiente humor, pone en balance símbolos de peso histórico junto a la vida cotidiana, que no por cotidiana deja de ser mexicana. En lo sucesivo a la lectura de estas imágenes queda preguntarnos por qué signos tan disímbolos conviven con tanta naturalidad. Tal vez en un futuro próximo, el deterioro de las insignias regionales y la amalgama caprichosa de la memoria triunfen sobre el respeto y produzcan, en su defecto, recuerdos de viaje más interesantes. 

Alan Sierra



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Exposición individual: Future Ruins de Ruin
Segundo aniversario. 



Future Ruins

206 arte artistas emergentes y con trayectoria, radicados y nacidos en Baja California contemporáneo festeja su segundo aniversario, y en estos 24 meses ha trabajo con más de treinta. Sumamos aproximadamente 9 exhibiciones que se han presentado de manera bimestral en un formato colectivo e individual. En cada exhibición 206 arte contemporáneo busca compartir con el público propuestas dinámicas que muestren una contemporaneidad creativa.


206 arte contemporáneo presenta en esta ocasión como parte de su festejo por su segundo aniversario el trabajo de Erick Castillo “Ruin”, artista Tijuanense nacido a mediados de los ochentas.

“Ruin” propone en su propuesta visual dejar evidencia de las ruinas encontradas en la ciudad de Tijuana; bodegas, puentes, tiendas, viviendas y la calle son sus espacios de exploración. El deterioro que encuentra en estos espacios y sumados con la publicidad que invaden sus muros van generando capas de información, tanto espacial y visual, el descuido de estos esqueletos de concreto generan en “Ruin” la estética que plasma en su obra, -descuido, desgarre, capas de papel y pintura-.

“Future Ruins” el trabajo más reciente de “Ruin”, desarrolla una interrogante y crítica sobre el tema de la vivienda de interés social,  “Future Ruins” evidencia el fracaso de las grandes desarrolladoras inmobiliarias y las consecuencias o resultados que produce vivir en espacios habitacionales reducidos en sus metros cuadrados de construcción y la falta de áreas verdes, en ellos se genera violencia, estrés, frustración, y con el paso del tiempo las viviendas se van convirtiendo en ruinas contemporáneos por el abandono de quien en algún momento las habitó.

En “Future Ruins”, cada pieza nos introduce en el caos urbanístico, social y político que se genera en el contexto de estos fraccionamientos construidos en la periferia de la ciudad, cascarones arquitectónicos que se convierten en ruinas futuras.


Mónica Arreola, Tijuana Baja California, México, 12 de julio del 2014.


  


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The Arcades Media Project: Adriana Trujillo + José Inerzia (POLEN)
Música:Trillones // Mario Supereit // Dj leftskill




The Arcades Media Project es una video instalación sobre la ciudad en un contexto de suplantación y transformación de los espacios que hoy componen los pasajes en el centro de Tijuana. Retomamos el concepto de pasaje como intestino, como entraña a una ciudad en un momento de emergencia y renovación.

The Arcades Media Project hace referencia a la que se dice, sería la obra máxima de Walter Benjamin, El proyecto de los pasajes o El libro de los pasajes. En este inconcluso proyecto escrito entre 1927 y 1940 se reuniría la apuesta epistemológica de Benjamín quien pretendía reflexionar en esta obra, las transformaciones urbanas de París el siglo diecinueve. La propuesta integraría un corpus de materiales interconectados a partir de citas y notas, pero además incorporaría recortes, fotografías y grabados, sería una propuesta interactiva e iconográfica, una evolución a la escritura en una propuesta multidimensional y al mismo tiempo una reflexión crítica al sentido del paseante o flaneur, quien en los pasajes encontraría todo lo que requiriese; la simulación de una ciudad dentro de otra ciudad.

En The Arcades Media Project invitamos al paseante a transitar por la pieza e intervenirla con su corporalidad y experiencia, en una dimensión temporal integrando su percepción sobre la propia ciudad. La proyección en layers reacciona al flujo de visitantes en el espacio creando un diálogo fragmentado pero proporcional la cantidad de personas en la sala, formando así capas de memoria sobre los propios pasajes y quienes somos participes de su transformación.

Adriana Trujillo + José Inerzia (POLEN), Tijuana, Baja California, México.







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Exposición individual: Nosoynadiedeniunaforma de Fio Zenjim.
Música por Perros Cobardes.  



no soy yo
soy un punto de concentración. mi esfera cerrará ahora sus compuertas, fuera de mí todo lo que no soy yo. me atraviesa el espectro, traspasa mi fino velo, fuera de mí todo lo perceptible. mis brazos se deslizan contra el viento, de arriba abajo, hacia enfrente y atrás, medicina, para mis músculos y mis nervios, cambio repentino de dirección, en alta velocidad. desde la microscópica armadura de mi rostro hasta el silencio, acaricio la fisura. línea delgada, entre una y la otra, atardeceres nublados, ilusión afuera, raras sensaciones. seres de luz coloridos y la noche, cubriendo la perspectiva de mis canales. mirada reproductible más allá de los ojos. lento desliz, húmedo contacto. esparcida la ciencia de la imaginación, esparcido su verde líquido a la redonda, mis pupilas hallarán su aposento en cualquier punto para conocer lo que sé. me concentraré ahora en los límites, su sensación me recorrerá hasta los núcleos, compacta, líquida, caliente, flexible al movimiento de las ondas variables   no name no tag no classification   una cortina ondula la imagen transparente, sus figuras se esconden en una masa amorfa plateada, zoom in hasta la parte posterior, partículas luminosas rompen el aire, en sólo una imagen extraída del mar de la posibilidad. río embriagado, transcurriendo lento, por el cauce circular, su eco dibuja con sonidos el paso del tiempo,   darker and darker, bigger, deeper   la piel marca en el flujo su paso, las formas del viento y su registro aéreo, finas líneas transparentes, hileras de moléculas, miles y miles, miles, millones. el eco del sol me contiene, los golpes de un metrónomo estructuran mi estancia y mis latidos, el resto del suelo desvanecido de este lugar, sólo el cielo y nosotros, distancia inmensurable entre las manos y el pensamiento

not my name, not my face







Claudia Algara, Tijuana, Baja California, México.








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Exposición individual: Teluric Traces de Fernanda Uski

  

El proyecto es una reflexión a partir de la idea de la transición, un momento, un instante que nos permite pasar de un estado a otro distinto, un lapso de tiempo que nos aproxima a una transformación, en Teluric Traces la metamorfosis es casi invisible, pero siempre constante.

Tomando como referencia aspectos de la geología el concepto de ciclo se conjunta para consolidar una y otra vez la transición y a partir de analogías pictóricas muestro ciclos litológicos, la transformación de rocas y la formación de montañas, orogénesis.

La translucidez de las imágenes, adquieren significados múltiples, como el movimiento, la formación o alteración, mediante la estratificación de trazo y marcas mínimas, el dibujo se torna en una práctica meditativa, reiterando en cada línea, los vestigios del tiempo, algo que fue y ya no lo es.  

Deseo explorar en Teluric Traces, de forma personal la relación intrínseca que tenemos con la tierra, mostrar mi interés de la evolución, un proceso en el cual estamos inmersos, todo es una transición cíclica, mental, espiritual y corporal.

Fernanda Uski, Tijuana, Baja California, México.







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Exposición Colectiva: Distancia



Para Rafa Saavedra. 
La última edición del texto la realizamos juntos mientras platicamos en el hospital, gracias a ti entendí que la Distancia es y será (dis)continua y que los etcéteras no deberían de existir.

Distancia un concepto que detona movilidad, una sucesión de actos previstos o no, provoca traslados y los traslados a su vez nos ocultan o revelan situaciones, procesos, ambientes, sueños, inquietudes.

La distancia es también una línea divisoria e imaginaria entre un elemento a fotografiar y el fotógrafo, es aquella que nos indica escala y perspectiva a partir del acercamiento o lejanía, la distancia es por lo tanto manipulable.

206 arte contemporáneo presenta su tercera exposición colectiva dedicada a la fotografía. La exhibición es un primer breviario visual realizado por una nueva generación de jóvenes fotógrafos que nacieron o radican en el estado de Baja California.

En Distancia observamos distintos núcleos temáticos, pluralidad en ideas y técnicas para la conceptualización y el desarrollo de la imagen fotográfica, hemos seleccionado 9 fotógrafos y 5 temas, por ejemplo, moda con Esteban Calderón y Anna Cárdenas, documental con Robertha Terrones y Bryan Chilian, paisaje con Humberto Cuevas y Christian Vargas, fotografía construida con Esteban Velázquez y Damián Gastellum y escenario musicales con Zophie Felina, cada uno de ellos nos permiten observar y reconocer en sus imágenes un lenguaje propio.

En ella percibimos la existencia de una Distancia compositiva y temática al proponernos cada uno de ellos imágenes disímiles, sí bien podemos distinguir una lejanía visual en cada uno de ellos, existe también una cercanía que podría pensarse casi imperceptible, un común denominador los aproxima: la cámara fotográfica.

Con Distancia percibimos a la fotografía como un lenguaje ecuménico,  procesos que se ájela y se acorta, movilidad (dis)continua.


Mónica Arreola, Tijuana, Baja California, México.






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Exposición Colectiva: Rotura



“El Paisaje se hace trágico porque reconoce desmesuradamente la escisión entre la Naturaleza y el hombre.” 
R. Argullol, La atracción del abismo.

La muestra se desarrolla sobre un eje definido principalmente por la relación de trabajo creativo que guardo con los participantes, que ha sido a veces como tutor (sin atribución alguna) y otras veces como colega. Es así que he tenido la oportunidad de estar atento al desarrollo de su trabajo y ahora proponer este ejercicio colectivo. Ellos guardan entre sí un vínculo generacional, y a ello quizás obedezca que las obras reunidas para esta exposición resulten inevitablemente sintomáticas. Pero más allá de lo podemos dar por hecho que existe en su trabajo, quiero decir, de las influencias mediáticas o de su circunstancia, tal vez alguno que otro autor, hay una idea que subyace a esta selección, y esa es a la que creo puede servir como referente para contextualizar: Arqueología del vacío y del exceso. Creo que es justo en ese cruce de conceptos (Arqueología/Vacío/Exceso) que podemos situar el diálogo. Se trata del interés por entender -desde una búsqueda en principio sin sentido- lo que ha quedado y lo que está ya desbordado. Se repiten gestos poéticos en torno a los conceptos deteriorados de arquitectura/vivienda, espacios de protección y objetos de añoranza, como símbolos ya desiertos de nuestra omnipresencia. Sin embargo, y aunque tanto el vacío como el exceso se perciben como destrucción, el espíritu es el de un sujeto que insiste en reconocer algo entre las ruinas. Para mí la exhibición representa otra manera, acaso más formal, de colaborar en este mismo sentido con ellos.

Hugo Lugo, Tijuana Baja California, México 





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Exposición Individual: Pata de Perro por Alejandro Zacarías



"Para el perfecto flâneur, para el observador apasionado, es una alegría inmensa establecer su morada en el corazón de la multitud, entre el flujo y reflujo del movimiento, en medio de lo fugitivo y lo infinito". Charles Baudelaire.

Con esta exposición 206 Arte Contemporáneo reitera su esfuerzo por exponer el arte reciente de los artistas bajacalifornianos. Reconocemos que en muchas ocasiones la distancia que existe entre la producción y la exhibición de la obra es demasiado amplia.

En Pata de Perro, Alejandro Zacarías despliega un interés constante en su obra: el callejeo, el vagabundeo, el flâneur contemporáneo.  Zacarías presenta en esta exposición lo que bien podría ser un cuaderno de notas, un cuaderno de viaje en donde detalla  descubrimientos de sus constantes exploraciones de la ciudad.

La figura del flâneur, de Baudelliere, es ese personaje que ocupa su tiempo en recorrer la ciudad no como un turista ajeno sino como parte esencial de la misma y que es capaz también de interpretarla.

Así Pata de Perro se presenta como una bitácora gráfica y actual que da cuenta de los recorridos y exploraciones que Zacarías realiza, desde hace años, como parte de su abrevar creativo. 

Abril Castro, Marzo 23, 2013, México, D.F.








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Exposición Individual: Zoofilia por PANCA


Panca (Paola Villaseñor 1986) vive y trabaja en Tijuana, B.C. Desde hace más de tres años ha tomado la ciudad con sus grafitis y pegas. De formación autodidacta; su trabajo puede leerse como un diálogo, desde la contemporaneidad, con el arte pop norteamericano y la ilustración.

Con esta exposición en 206 arte contemporáneo celebramos una segunda exposición individual, al tiempo que seguimos con el objetivo de mostrar la producción novísima de los artistas bajacalifornianos y con ello reducir el lapso temporal que existe entre la creación artística y su exhibición en espacios expositivos.

En la cosmogonía de distintas culturas han estado presentes actos zoofílicos, mismos que a través del tiempo se han convertido en motivos del arte. Hoy, Panca retoma este tema, no para explicar el origen del hombre, sino por el contrario; para tratar de entender su deshumanización. 

Para Zoofilia, Panca trabajó intensivamente en una serie de piezas únicas con las que busca hacer una reflexión personal en torno al estado actual de lo que llamamos “humanidad”. Al presentar estas imágenes eróticas -cópulas fantásticas - entre figuras humanoides y animales, ella busca señalar la bestialidad a la que respondemos, la violencia a la que nos hemos alienado. Todo esto dentro de su bestiario personal, tan prontamente claro, tan extraordinariamente familiar.

Abril Castro, México, D.F. 






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Exposición individual: Pasaporte por Omar Pimienta


206 arte contemporáneo es un espacio independiente orientado al dialogo y difusión del arte, el pensamiento y la cultura actual. Más que una galería, 206 es un espacio de activación donde suceden exposiciones, talleres, pláticas y lecturas.

En 206 trabajamos a partir de cuatro ejes: exposiciones individuales, muestras colectivas (Volúmenes), charlas con artistas, gestores y curadores (Conversaciones) y revisiones de trabajo en proceso (Work in Progress).

Con el programa Work in Progress buscamos mostrar las investigaciones que ocupan a los artistas contemporáneos y profundizar en el proceso del trabajo creativo. Con esto deseamos incidir en el lapso que existe entre la creación artística y su exhibición en espacios institucionales.

Para la primer WP de 206 arte contemporáneo invitamos al artista/escritor interdisciplinario Omar Pimienta (San Diego/Tijuana) quien -desde lo visual como lo poético- mapea paisajes sociales, historias colectivas e individuales y la belleza de sus grietas.
 
Durante los últimos años, Omar ha realizado una investigación en torno al diseño original de la figura de la Estatua de la Libertad (cuyo título original es La libertad iluminando al mundo) del escultor francés Frédéric Auguste Bartholdi. Esta inquietud lo llevó a cruces metafóricos, y no poco irónicos, con la Colonia Libertad; inicio y fin geográfico de Tijuana. Así, para esta muestra Omar mostrará piezas y documentos que exploran la identidad, la imagen y la memoria desde un espacio geopolítico específico: La Colonia Libertad. 
Como pieza específica para este espacio, Omar instalará un “Consulado Móvil” en el que expedirá el “Pasaporte Libre”, documento que autentifica a su portador como ciudadano permanente de La Colonia Libertad. Con este acto, aparentemente simple, Omar abre la puerta a múltiples lecturas en torno al control oficial de la identidad y al mismo tiempo, convoca a practicar la resistencia poética como estrategia de desobediencia social.

Abril Castro, septiembre, 2012,  México D.F. 







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Exposición Colectiva: Volumen I






Esta primer muestra de 206 Arte Contemporáneo revisa el trabajo de artistas mujeres pertenecientes a la nueva generación de creadoras nacidas o radicadas en Tijuana.

Al convocar trabajos tan distintos unos de otros,  en ningún momento se busca homogeneizar o categorizar las piezas presentadas, sino que por el contrario, se busca individualizar cada una de las estéticas que presenta. De este modo, congrega trabajos que por un lado abrevan de experiencias íntimas y por otra parte, reúne también ejercicios que reinterpretan a partir de aproximaciones lúdicas, cierta estética pop de los 80.

Con Volumen 1, 206 Arte Contemporáneo inicia actividades en un momento político, justo en el cual la generación que se investiga es uno de los actores principales. Sigamos la pista.

Abril Castro, Tijuana Baja California, México